Artistes

L’artiste a tout fait à l’huile, du portrait au paysage. Puis, elle a aussi essayé le fusain avant que l’acrylique n’arrive et s’impose comme son médium de prédilection. Au tout début de son cheminement artistique, Nathalie Grenier souhaitait trouver ce qui ferait d’elle une artiste spéciale, différente des autres. Elle a mis en pratique le Gnothi seauton ou le Nosce te ipsum, c’est-à-dire le Connais-toi toi-même; le plus ancien des trois préceptes gravés à l’entrée du temple d’Apollon à Delphes. C’est un principe de base, une sagesse, qu’elle suit depuis des années: avoir le devoir de prendre conscience de sa propre mesure. Pour plusieurs, c’est l’oeuvre de toute une vie.

Nathalie Grenier veut toucher les gens, leur apporter une émotion, un état d’âme, un état d’être, un souvenir… ou même un désir au plus profond d’eux.

Dans son processus de création, il y a d’abord une mise en scène. C’est l’élément de départ. C’est sa façon toute particulière de composer son oeuvre. Elle écrit ensuite ce qu’elle ressent, ce qu’elle désire faire ressentir. Puis, vient une séance photo qui complète le processus. A partir des photos, l’artiste cherche à capter un instant magique, unique, impérissable. Elle immortalise un espace-temps en peinture afin de transmettre une émotion ou un sentiment vécu.

Son travail se divise en séries thématiques: « Mes Muses », « Nos icônes », « Flots d’Azur », « Inspiration Musique », etc.

Après les séries « Flots d’azur » et « Inspiration Musique », l’artiste prend un nouveau virage, tout-à-fait différent. Elle travaille sur les cellules. Encore là, une vision philosophique se profile et sous-tend l’oeuvre à venir. « C’est comme la vie, il est toujours bien de prendre du recul pour mieux voir, comprendre et, ainsi, être en mesure de plus apprécier les choses. » Ses oeuvres de près sont abstraites, floues. Or, avec le recul, sous un regard d’ensemble, on comprend l’oeuvre. Tout s’éclaire, tout devient compréhensible.

Formé à l’Atelier de Recherches Graphiques de Montréal, Luc Nadeau graveur et maître-imprimeur a travaillé avec de nombreux graveurs réputés dont Kittie Bruneau, Louis-Pierre Bougie et Richard Lacroix.

Au cours des années il a développé un style unique à portée sociale.

Sa production la plus récente allie culture populaire et un grand sens de l’humour dans le choix des sujets et des compositions. Très souvent Nadeau nous présente des animaux fétiches aux prise avec la complexité des relations interpersonnelles. Dans d’autres images, il s’interroge sur des réalités politiques, géographiques et écologiques d’actualité.

Kelly Paterson est née à Montréal en 1960 et demeure aujourd’hui à L’assomption. Kelly est une artiste pleinement dévouée à son art, auquel elle se consacre à temps plein. Chaque jour, elle se fait un devoir de peindre et s’impose une discipline exemplaire dans la recherche de son œuvre. Son inspiration lui vient de ses multiples points d’intérêts, entre autres, la nature Humaine.  Cette nature que nous côtoyons tous les jours, celle qui nous passionne et étonne avec tant de beauté dans son évolution et dans son expression; ses couleurs, ses formes, ses mouvements.

On constate aussi la lumière. Tantôt discrète, parfois soutenue, elle s’impose ou s’insinue. C’est elle qui nous permet d’apprécier toutes les nuances de la couleur. Cette capacité de s’exprimer avec la couleur est une histoire de création sans fin qui se renouvelle au gré de l’inspiration. Son œuvre évolue.

Kelly façonne ses toiles avec plaisir, mais surtout en tenant compte du défi que représente l’abstraction, l’expression de l’émotion encore inexprimée, inexplorée.  Elle s’exprime dans la texture, le relief en même temps que la couleur dans l’émotion du moment.  La texture riche aux couleurs vives dégage une luminosité qui transmet à ses spectateurs une émotion profonde.

Kelly Paterson expose dans de nombreuses galeries à travers les États-Unis, le Canada ainsi qu’en Europe. Ses œuvres font partie de nombreuses collections privées et publiques de renom, dont celle des Caisses Desjardins. Depuis près de 20 ans, ses toiles ont fait partie de multiples expositions à travers le monde, dont le Carrousel du Louvre en 2011 et l’Art Expo de New York en 2012 et 2013, entre autres.

Michel Leblanc se passionne pour la peinture et le théâtre dès l’âge de neuf ans. Possédant un DEC en graphisme, il sera diplômé de l’Académie de l’Entrepreneurship Québécois et fonde CinéMasque, une pré-maternelle artistique et éducative ainsi qu’une école de théâtre sur la rive sud de Montréal. Membre de l’Union des Artistes à titre d’acteur, il défendra plusieurs rôles secondaires sur une trentaine de plateaux cinématographiques et télévisuels. Les épreuves ont jalonné la vie de Michel Leblanc. Suite à deux opérations majeures à l’âge de 20 ans  il sera immobilisé pendant des mois de convalescence. Une épreuve qu’il surmontera par sa thérapie miracle : la peinture. En août 2008, il frôle la mort lors d’un violent accident de voiture. Hospitalisé pendant 6 mois, Michel Leblanc se remet à l’œuvre dans un atelier secret au sous-sol de l’hôpital où des propriétaires de galeries d’art lui ont fourni le matériel pour peindre. Il est également conférencier et auteur du livre ‘L’Art qui fait revivre’ qui relate son parcours rocambolesque et inspire par sa résilience.

C’est à coups de spatule que Michel Leblanc libère sa créativité en nous donnant l’impression de d’explorer la ville sous la pluie. Artiste naturel et intuitif, sa spontanéité s’exprime par sa capacité à se reconstruire, à prendre acte de l’événement traumatique et à le sublimer par son art. Se dépasser, s’accrocher, l’artiste transcende sa réalité détenant cette force de manière innée, il n’est jamais trop tard pour apprendre à mobiliser son élan vital.

Clément Lemieux, sculpteur et peintre autodidacte, est né à Levis, Québec, en 1946. Carrossier de formation, s’est consacré à la sculpture depuis 1992. Etant père de famille de 12 enfants et un passionné de judo, le corps humain et le lien familiale sont devenus sa fascination. Il a choisi de travailler des personnages abstraits, des formes simples et stylisées, ainsi que prioriser les couleurs dans ses œuvres artistiques. L’artiste a su, au fil des années, se développer une habileté à associer les formes et les couleurs vernies à l’uréthane. Ses sculptures sur bois (Pin, Tilleul, Cerisier, Épinette), varient de 6 pouces à 13 pieds. Ses peintures abstraites colorées arborent une gestuelle ample et dirigées. On peut retrouver ses pièces dans plusieurs collections privées aux États-Unis, en Europe et au Canada.

Cécile Fafard est originaire de Saint-Cuthbert, situé dans la belle région de Lanaudière. Après avoir oeuvré dans le domaine de l’enseignement pendant plusieurs années, un nouvel horizon s’ouvre à elle. C’est en 1979 que débute sa formation en arts plastiques et en histoire de l’art au Cégep du Vieux-Montréal. Elle étudie avec plusieurs professeurs, notamment avec Jean-Paul Ladouceur qui l’initie aux techniques de l’aquarelle. Elle approfondie ses connaissances en acrylique, en dessin, en créativité et en techniques mixtes avec Ghitta Cairseman Roth et Betsy Dollard Straud pour n’en citer que quelques uns. Des cours de dessin et de composition suivis à l’université du Québec à Montréal viennent parfaire sa formation artistique.

Cécile Fafard est membre signataire de la Société canadienne de l’aquarelle depuis 1994. Elle a également enseigné l’aquarelle aux adultes de 1992 à 2000. Depuis, elle se consacre entièrement à sa peinture. Elle a participé a plus de soixante-dix expositions collectives et quatre individuelles. On retrouve ses oeuvres dans plusieurs galeries du Québec.La nature, la lumière et le rythme des saisons demeurent ses pricipales sources d’inspiration. Parmi ses sujets de prédilection, les plantes et les fleurs ont une grande importance. S’impregner de l’essence de la nature pour donner naissance à des oeuvres aux accents de cet univers est un point dominant dans sa démarche artistique. Pour Cécile Fafard, la couleur est l’éventail de toute une gamme de possibilités inhérentes à la peinture.

Enfin, l’influence de l’aquarelle est une autre particularité qui défini le style de Cécile Fafard. Cette caractéristique se fait sentir dans les autres médiums qu’elle utilise. On y retrouve une même facture, une touche habile et translucide acquise avec plus de vingts ans de pratique. Une gestuelle spontanée: «qui révèle en toute liberté l’émotion, la sensation, la perception du moment…

Michel Dupont est un peintre, graveur et sculpteur autodidacte né à Montréal en 1950. C’est l’estampe qui a été le point de départ de sa pratique artistique. En Europe, il est fortement stimulé par sa rencontre avec Henri Baviera à l’atelier Bernard Remusat, artiste dont l’approche esthétique accorde une place prépondérante au signe graphique. De retour en Amérique, il met au point une technique qui se situe quelque part entre l’estampe et la peinture pour placer le support au centre de sa démarche, qui relève davantage de l’improvisation que de la théorie. Il s’amuse à créer des signes sur le papier pour en dynamiser la surface, ce qui lui donne son caractère unique.

Dès son plus jeune âge, Lise est fascinée par la beauté autour d’elle; que ce soit celle de la nature, des formes, des couleurs, des êtres. Elle dessine, peint, explore différents médiums. Rapidement, elle réalise que créer lui apporte un énorme bien-être.

Diplômée en arts plastiques (DEC), elle travaillera quelques années à titre d’illustrateur pigiste. Ses encres et aquarelles seront publiées comme couvertures de livres, brochures, dans le journal La Presse et dans plusieurs revues telles que Nous et Châtelaine. Elle complètera ultérieurement ses études par un BAC et une Maîtrise en enseignement spécialisé. Ce qui l’amènera pendant ses seize années en éducation à réaliser toutes sortes de projets de création dont une pièce de théâtre, entièrement co-écrite et coproduite et qui sera présentée à Ottawa ainsi qu’en France, à Saint-Émilion.

Les thèmes proposés sont multiples mais se réfèrent principalement à la nature et à la mer, source inépuisable d’inspiration.

Utilisant plusieurs techniques et médiums d’art, c’est un univers en soi qu’elle nous livre dans ses oeuvres aux mille textures, superpositions de formes, collages, coups de pinceaux, grattages et parfois même ornées d’applications d’or.

Lise fait partie du groupe d’artistes peintres Fuchsia depuis 2017.

Fraîcheur matinale, chaleur du soleil, parfums de la flore…les ballades d’été dans son jardin de fleurs sont inspirantes pour une artiste qui peint des scènes paysagères abstraites lumineuses et colorées.

Dominique Desmeules aime créer des compositions colorées et harmonieuses qui laissent libre cours à votre interprétation personnelle. L’artiste profite de l’aspect aquarelle de l’acrylique diluée qui génère des formes <<accidentelles>> et inattendues qu’elle décide ou non de conserver sur la toile selon  l’intuition du moment. Elle anime, par la suite, l’ensemble de la composition par des ajouts de motifs floraux, des aplats opaques d’acrylique et de différentes formes de collages (papiers japonais, feuilles séchées, imprimés d’anciens tableux découpés)

Elle explore différentes séries d’oeuvres composées de sujets tels que des pots de fleurs sculptées et stylisées, des paysages imaginaires et des oeuvres abstraites.

Née  à Chicoutimi, sur les bords de la magnifique rivière Saguenay. Dominique Desmeules fut grandement influencée pendant ses études classiques par un professeur en art, Jean-Guy Barbeau, ce qui l’amena à se diriger vers des études artistiques en design graphique à l’Université du Québec à Montréal. Pendant quelques années, elle travaille comme graphiste à son propre compte, avant d’orienter sa carrière vers le domaine du voyage comme gestionnaire d’une agence de voyages où elle eut de multiples opportunités de voyager autour du monde. Au début des années 1990, sa passion pour l’art et la peinture devient si forte qu’elle décide de vouer beaucoup plus d’efforts dans son art tout en continuant à travailler dans le domaine du voyage. En 2007, elle se consacre entièrement à la peinture et débute sa carrière artistique en entrant dans plusieurs galeries d’art au Canada.

Pendant dix ans, elle fait des foires d’art à l’international (Europe, Asie, USA, Amérique du Sud et Australie), ce qui lui permet d’exposer dans une galerie de Séoul pour deux expositions solo, d’être choisie par un mécène de Singapour pour sa collection personnelle et d’exposer dans quelques galeries en Asie.

Aujourd’hui, tout en continuant de peindre son sujet d’origine, le floral, elle s’intéresse tranquillement à l’art abstrait dans une suite logique de sa démarche artistique et de nouveaux défis picturaux.

Bien qu’ayant une formation de peintre et de sculpteur, c’est par la gravure que Paul Cloutier a choisi de s’exprimer. « C’est la trace de vie qui m’intéresse, explique-t-il, car l’objet avec sa présence physique serait un détournement trivial sur lui-même. L’objet a trop de matière, pas assez d’esprit. Pour moi, la matière de la sculpture a une lourdeur qui empêche l’esprit de pouvoir voyager. Comme graveur, je veux projeter l’esprit du spectateur vers autre chose que son objet. »

La collagraphie telle qu’il la pratique est une technique d’expérimentation, un procédé de ciselure à travers lequel il combine le dessin à la sculpture. À l’application de la matrice, l’entaille, la striation et le grain de la matière produisent un effet de relief sur le papier d’estampe. L’atmosphère de ses compositions est ainsi nuancée et la gravure en tire son expression de fond.